Портреты Пабло Пикасссо

Автопортрет, 1896	Автопортрет, 1906	Автопортрет, 1907
Автопортрет, 1938	Автопортрет, 1972	Дали, Портрет Пикассо

Руис Пабло Пикàссо (Pablo Picasso) (1881-1973), французский живописец. По происхождению испанец. Пикассо — изобретатель новых форм живописи, новатор стилей и методов, и один из наиболее плодовитых художников в истории. Он создал более чем 20 тысяч работ.
Пабло Пикассо — не просто один из самых известных художников XX столетия. В его творчестве, как в зеркале, отразились почти все тенденции искусства новейшего времени.
Пикассо родился 25 октября 1881 года на юге Испании, в Малаге. Его отец, Хосе Руис, происходил из старинного, но обедневшего рода, был учителем рисования и одновре­менно исполнял декоративные росписи интерьеров. Пикассо — фамилия матери, которая происходила из Италии, возможно, у нее были цыганские или иудейские корни.
Первым, кто начал учить Пабло рисовать, был отец. Из первых работ Пикассо сохранились портреты отца, на которых он похож на Дон Кихота. С самого детства, как и все испанцы, Пикассо ходил смотреть тавромахию (бой быков). Яркий, выразительный образ корриды в будущем не раз появлялся в его произведениях, как и в произведениях других всемирно известных испанцев — Гойи, Хемингуэя.
Гений Пикассо обнаружил себя рано: в возрасте 10 лет он написал свои первые картины, а в 15 блестяще сдал приемный экзамен в барселонскую Школу Изящных Искусств (за день нарисовав обнаженного натурщика; это было задание, на которое отводился месяц). Пикассо совершил три поездки в Париж и обосновался там в 1904 году.
Стили французских художников-импрессионистов, особенно Дега и Тулуз-Лотрека оказали влияние на формирование творческой манеры Пикассо в этот период. «Синяя Комната» Пикассо отражает влияние этих художников и показывает эволюцию творчества Пикассо в «голубой период», который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение нескольких лет. Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Их удлиненные тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко.
Для картин этого периода характерны образы нищеты, меланхолии и печали. Пикассо считал — «кто грустен, тот искренен». Тот же круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. Как будто луч надежды проникает в души его героев вместе с появлением в красочной гамме его картин более светлых и прозрачных цветов: к осветленным оттенкам синего цвета присоединяются розовые, пепельно-розовые, золотисто-розовые тона.
После произведений «голубого периода», картины «розового периода» представляют мир циркачей и бродяг («Семья акробатов с обезьяной», «Девочка на шаре», «Семейство комедиантов»). В «розовых» работах Пикассо чаще изображает не просто одного или двух людей, а целые семьи, людей, связанных не только кровными, но и духовными узами.
Кубизм. В 1907 году Пикассо создает панно «Авиньонские девицы», персонажи которого, девицы публичного дома в барселонском квартале Авиньон, предстают бесполыми существами, некими устрашающими идолами. В произведении сочетаются разные стилистические манеры: розовые фигуры персонажей геометризированы, лики отдельных из них написаны в штриховой манере, имитирующей приемы африканских скульпторов. «Авиньонские девицы» произвели сенсацию, картина положила начало многим экспериментам. Вкус к разрушительной деформации оказался знаменем нового века.
В 1907-1914 годах Пикассо работает в таком тесном сотрудничестве с Браком, что не всегда возможно установить его вклад на разных этапах кубистической революции. После периода сезаннизма, он уделяет внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве. Перспектива исчезает, картины Пикассо зачастую сводятся к ребусам. Появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Художник использует кубистические приемы до 1923 года («Женщины, бегущие по берегу»). «Портрет Амбруаза Воллара» (владельца галереи, коллекционера) выполнен в формах аналитического кубизма. Портрет был приобретен И. А. Морозовым в 1913 году у самого Воллара.
Женитьба Пикассо на балерине Ольге Хохловой, успех художника в обществе — все это объясняет этот возврат к фигуративности, при этом Пикассо продолжает писать и кубистические натюрморты.
Наряду с циклом великанш и купальщиц, многочисленные портреты жены и сына Поля являют собой одни из самых пленительных произведений, написанных художником.
Контакты с сюрреализмом. В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. Мы попадаем в атмосферу конвульсий и истерии, в ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить, отчасти, влиянием поэтов-сюрреалистов. На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, создавало монстров, неких разорванных на части существ, раздутых до абсурда и бесформенных или воплощающих агрессивно-эротические образы.
Гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия и Аристофану свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения. Тема быков возникла в творчестве Пикассо во время двух поездок в Испанию: образ Минотавра возникает в красивой серии гравюр, исполненных в 1935 году («Минотавромахия»). Образ смертоносного быка завершает сюрреалистический период в творчестве Пикассо, но в то же время определяет тему картины «Герника», самого знаменитого его произведения, которое он пишет вскоре после разрушения немецкой авиацией маленького городка басков. Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, страх перед войной и фашизмом, художник не выражал прямо, но придавал своим картинам тревожную тональность и мрачность. Картина «Бойня» — последнее трагическое произведение Пикассо.
Осенью 1944 года он вступает в коммунистическую партию. Голубь, который стал символом движения за мир (изображен на плакате Всемирного конгресса сторонников мира в Париже), — наиболее действенное проявление политических убеждений художника. Кроме того, эта работа способствовала тому, что Пикассо стал легендарной, всемирно известной личностью.
Послевоенное творчество Пикассо можно назвать счастливым; он сближается с молодой Франсуазой Жило, с которой познакомился в 1945 году и которая подарит ему еще двоих детей, дав таким образом темы для его многочисленных семейных картин, мощных и очаровательных. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря. Произведения, созданные в 1945-1953 годах, среднеземноморские по духу, характерны своей атмосферой идиллии и возвращением античных настроений. Франсуаз Жилло на протяжении десяти лет была женой Пикассо и потом написала книгу «Жизнь с Пикассо». В 1955 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Это было для художника началом тяжелого морального кризиса, который эхом отдается в его произведениях.
В 1956 году он встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 году станет его женой и вдохновит его на серию очень красивых портретов. Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неровны по качеству.
Пикассо умер на своей вилле Notre-Dame-de-Vie восьмого апреля 1973 года.

Картины Пабло Пикассо на мифологические сюжеты:

Минотавр и его жена, 1937	Минотавр, 1934	Минотавр, 1958
Три грации, 1925	Умирающий Минотавр, 1936	> Три грации, 1908
Дриада, 1908	Волынка Пана, 1923	Похищение сабинянок, 1962

Другие картины Пабло Пикассо:

Менины, 1957, Музей Пикассо, Барселона

Наука и милосердие, 1897, Музей Пикассо, Барселона

Первое причастие, 1895, Музей Пикассо, Барселона	Танец с вуалью, 1907, Эрмитаж, Санкт-Петербург	Любительница абсента, 1901, Эрмитаж, Санкт-Петербург
Акробат и юный Арлекин, 1905	Арлекин, 1901, Метрополитен, Нью-Йорк	Арлекин, 1915, Музей современного искусства, Нью-Йорк
Трагедия, 1903, Национальная галерея, Вашингтон	Жизнь, 1903	Нищий старик с мальчиком, 1903, ГМИИ, Москва
Девочка на шаре, 1905, ГМИИ, Москва	Дама с веером, 1905, Национальная галерея, Вашингтон	Дама с веером, 1909, ГМИИ, Москва
Пьеро, 1918, Музей современного искусства, Нью-Йорк	Дружба, 1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург	Портрет Фернарды, 1909
Натюрморт с цветами, 1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург	Стол в кафе, 1912, Эрмитаж, Санкт-Петербург	Натюрморт, 1908, Эрмитаж, Санкт-Петербург
Скрипка, 1912, ГМИИ, Москва	Скрипка и гитара, 1913, Эрмитаж, Санкт-Петербург	Инструменты, 1912, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Летом 1912 года Пикассо создает серию изображений музыкальных инструментов. В его творчестве происходят значительные перемены, которые приведут художника к следующему этапу кубизма — синтетическому кубизму. В музыкальных натюрмортах Пикассо заметно влияние Поля Сезанна. Художник разлагает музыкальные инструменты на отдельные составляющие элементы, показывает их зрителю одновременно с разных точек зрения. По замыслу автора, зритель сам должен проделать определенную аналитическую работу по воссозданию образа музыкального инструмента.
Среди самых красивых ранних натюрмортов художника — небольшая овальная картина «Музыкальные инструменты». Ее декоративная форма, популярная во французском искусстве XVII и XVIII веков, обладает внутренней гармонией, которая придает ей еще большее изящество. В натюрморте Пикассо использует музыкальную метафору, согласно которой струнные инструменты являлись символом совершенства искусства. Кубистические формы натюрморта напоминают мандолину, лютню или гитару. Несомненно, что это живописная игра пародирует скучный диспут итальянских академиков о том, какое из искусств самое лучшее. Пикассо словно расширяет параметры этого спора. Живопись Пикассо как будто приобретает качества музыки.
Художник стремится и к передаче фактуры дерева, из которого сделаны эти музыкальные инструменты. Отсюда пролегал прямой путь к искусству коллажа, широко используемого Пикассо в последующие периоды творчества.

Мать и дитя, 1921, Частная коллекция	Чтение письма, 1921, Музей Пикассо, Париж	Влюбленные, 1923, Национальная галерея, Вашингтон
Купальщицы, 1918, Музей Пикассо, Париж	Три тацовщицы, 1919	Торреро, 1919
Сидящий Арлекин, 1923	Классическая голова, 1923, Национальная галерея, Вашингтон	Портрет матери Пикассо, 1923
Портрет Ольги Хохловой (первой жены Пикассо), 1923, Национальная галерея, Вашингтон	Портрет Ольги Хохловой (первой жены Пикассо), 1923	Портрет Ольги Хохловой (первой жены Пикассо) в кресле, 1917
Портрет Поля (сына Пикассо) в костюме Арлекина, 1924	Портрет Поля (сына Пикассо), 1923	Портрет Поля (сына Пикассо) в костюме Пьеро, 1925
Девочка перед зеркалом, 1932	Портрет Марии-Терезы Вальтер, 1937	Портрет Марии-Терезы Вальтер, 1937
Обнаженная в кресле, 1932	Портрет девушки, 1938	Портрет девушки, 1938
Портрет Майи (дочери Пикассо) с куклой, 1938, Музей Пикассо, Париж	Портрет Франсуазы, 1946, Музей Пикассо, Париж	Портрет Франсуазы, Клода и Паломы, 1951
Портрет Клода и Паломы (детей Пикассо), 1950	Портрет Клода (сына Пикассо), 1948	Портрет Паломы (дочери Пикассо), 1956
Эль Бобо	Портрет Жаклин Рокю	Портрет Жаклин Рокю

Эскиз занавеса, 1917	Спящие крестьяне, 1919
Juan-les-Pins, 1920	Бегущие по берегу женщины, 1922
Поцелуй, 1969, Музей Пикассо, Париж	Герника, 1937, Прадо, Мадрид

Почти всю свою жизнь прожив во Франции, Пабло Пикассо всегда оставался испанцем. Именно кровная связь со своей родиной — Испанией — дала ему возможность так остро почувствовать и так убедительно, яростно передать на полотне весь ужас трагедии 26 апреля 1937 года, когда в одну ночь фашисты уничтожили город Гернику в Стране Басков.
В 1936 году Народный фронт дал Стране Басков автономию. Пришедший к власти Франко отменил ее. Город, в котором сохранились уникальные памятники старины, истории, город с двумя тысячами жителей в одну ночь был превращен в руины...
Именно трагедия Герники стала темой грандиозного панно для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже, которое заказало Пикассо республиканское правительство. Панно размером 3,5 метра в высоту и около 8 метров в длину художник исполнил за невероятно короткий срок — меньше чем за месяц. В начале июня панно, выставленное в Париже, получило мировую славу.
«Герника» — это Апокалипсис XX века, в страшных сумерках которого высвечивается растерзанная лошадь, поверженный всадник, бык, мать с убитым ребенком и женщина, которая держит в руке светильник. Это не только констатация страшной трагедии, но и предчувствие новых, которые принесет Вторая мировая война. Панно вытянуто в длину и построено как триптих. В центре его треугольник, вершиной которого является светильник. Композиция точна по архитектонике, которая на наших глазах рушится, превращается в ничто, в хаос. Вместо солнца Пикассо изобразил электрическую лампочку. А полнозвучие земных красок заменил строгой гаммой черного, серого и белого. Образы «Герники» напоминают вневременные фантомы, галлюцинации. Это сгусток боли и страданий. Пикассо, который досконально знал принципы изобразительных систем, использовал в «Гернике» и элементы линейной перспективы, и принятые в кубизме наложения прозрачных плоскостей, и расчлененность объемов, которую любили сюрреалисты.
«Герника» — пророческая картина, но в ней есть не только предчувствие страшных катастроф, но и светоч веры. Глядя на это панно, вспоминаются слова Поля Элюара: «Отчаяние раздувает огонь надежды».

Портрет Амбруаза Валлора, 1910, ГМИИ, Москва
(Амбруаз Воллар — владелец галереи, коллекционер, знаток искусства,
друг художников. Портрет выполнен в формах аналитического кубизма
и был приобретен И. А. Морозовым в 1913 году у самого Воллара.)